Le Geste et La Voix

Joyce, The Muse

Fulmine da Rossini!!

La parution française du dernier récital rossinien gravé par Joyce DiDonato, au-delà d'un évènement percutant à l'image de la vocalité et de la pétulance de la chanteuse est un bonheur dont il ne faut pas s'abstenir!
Un festival de bel canto rossinien par voix médiante, enfin, et surtout un peu teinté autrement que les derniers de Cecilia Bartoli qui pour être fabuleux, étaient devenus, ce qui est toujours à déplorer à mon sens, les "seuls" depuis les années Horne, à présenter un renouveau avérés. Or, à force, ils n'en étaient plus nouveaux du tout puisque seuls à parcourir le répertoire en question avec bonheur, panache et style suffisant.
La question du style étant chez Rossini particulièrement pertinente, car si tout compositeur bien évidemment amène un style, le style belcantiste est encore une autre variation (justement J) de la définition du terme.
Ainsi, je suis heureuse de trouver à entendre une autre puissance de revisite du répertoire d'un compositeur très aimé ici, ce qui paraît bien évidemment un tant soit peu logique, dès que l'on aime les voix, le chant et par conséquent, le bel canto.
En outre, il se trouve que Joyce DiDonato est ma nouvelle muse depuis le premier instant où je l'ai vue et entendue. Une chanteuse pleine de vie, d'art, d'intelligence et percutante, qualités que l'on retrouve dans la projection sans faille de sa voix pleine, colorée et chaude. Et s'il ne faut certes pas chercher à trouver en elle mises en avant ductilités et douceurs suaves de féminité par trop exacerbée, mais subtilité, alchimie des tons et nuances, entrain et évidence d'un certain bonheur de vivre et faire vivre ce qui est délivré avec finesse réelle d'interprétation, ce n'est non seulement pas pour déplaire, mais bien plus, c'est chez elle ce qui séduit! Joyce n'est pas sans remémorer la façon de se poser là d'une autre tant aimée, et soprano, Leontyne Price, par exemple, dans sa façon d'aborder son chant, de projeter et faire sonner son spectre d'un halo franc et prenant toujours exempt d'agressivité. Enfin, elle évoque en domaine belcantiste, mais aussi mozartien, un certain art du chant de moins en moins sinon visité, utilisé de nos jours et ceci participe encore des nombreuses qualités qui font d'elle une interprète d'exception que, vous l'aurez compris, j'aime intensément.

Pour ouvrir donc ce billet d'hommage justement rendu et remerciement à l'artiste pour ce qu'elle ne cesse de m'apporter, voici en extrait de ce superbe récital purement et profondément rossinien jusque dans l'esprit du choix des arie qui le composent, ce que l'on appelle chez le compositeur, un air alternatif (notion très intéressante et sur laquelle il faudrait se pencher véritablement) issu de l'opéra Elisabetta, Regina d'Inghilterra suivi plus bas en extrait vidéo de l'air avec lequel il alterne et dont la célébrité n'est plus à faire..
Soyez patient durant le récitatif si vous avez quelque peine avec ce style et vous vous amuserez de reconnaître une variation qui n'est pas sans quasiment s'inscrire presque meilleure que son pendant! En effet, on y mesure presque mieux la faconde du compositeur qui pour asseoir brillance et virtuosité s'arme d'une rythmique et de figures strictes et exemplaires.
Pour l'anecdote, cette interprétation a su me tirer une larme d'enthousiasme et d'émotion.

La Déstructuration par Surexposition..

.. ou Tristan par Harding

1.    Isolde, Mime et Daniel..

Les 05 et 07 novembre 2009 était donné en version concert le deuxième acte de Tristan und Isolde de Richard Wagner au théâtre des Champs-Elysées sous la direction de Daniel Harding à la tête du très agréable Mahler Chamber Orchestra.
Chanceuse, je fus conviée à chacune des soirées de ce concert par des êtres assez attentionnés pour penser à ma relation privilégiée avec cette musique, cette œuvre et cette thématique, ce dont je les remercie très chaleureusement et sincèrement.
C’était là l’occasion de faire connaissance avec M. Harding pour ma part et de retrouver notamment  une distribution fort engageante avec la sublissime Isolde de Waltraud Meier déjà fort éprouvée, appréciée et connue, ici et là, la basse profondément sonore et noble de Franz-Josef Selig et de découvrir l’originellement distribué Lance Ryan,  remplacé, hélas à la dernière minute si l’on en juge par la présence entre ses mains de la partition, par le ténor canadien John Mac Master, découverte s’il en est !

Le 05 novembre,  c’est en compagnie de Laurent que je me rendis à la première session de ce concert tous deux fort enthousiastes de pouvoir nous repaître d’un répertoire dont nous avons un goût prononcé.  Il s’est rapidement avéré que nous avions le même ressenti de cette représentation ce pourquoi je renvoie directement à son billet pour une première approche de ce que j’ai à en dire avant que d’entrer directement dans le cœur du sujet au travers d’un rapide descriptif visant les aspects les plus saillants du moment musical vécu.  

Le concert s’ouvre sur un premier Prélude de facture assez honnête, plutôt dans le ton de l’opéra. Peu après ses dernières mesures, celles initiant le deuxième acte se précipitent portées par des couleurs et des tempi assez toniques pour nous laisser nous installer dans la joie de l’attente des chanteurs dont pour commencer Waltraud Meier et sa Brangäne, en l’occurrence une Michelle Breedt à découvrir entièrement.
Le moment tant attendu advient : Waltraud fait son entrée dans l’une des plus élégantes robes portées ces dernières saisons, accompagnée de Michelle, chacune d’un pas cadencé par le tempo enchâssé de l’orchestre. Dès que le chant s’élève, c’est un sentiment réjouissant de retrouver une Waltraud en pleine voix et forme(s) qui saisit l’auditeur, réconforté par l’évidente naturalité de la chanteuse à être habitée de son personnage, bien plus que de l’habiter d’ailleurs. La Brangäne circonstancielle, mais aussi circonstanciée qui lui fait écho est assez fluide et conforme à ce qu’elle doit être, dotée d’un mezzo dramatique sinon remarquable, timbré assez idéalement dans les registres requis de ce second acte, celui de la fusion, de l’œuvre Tristan.
Oui mais voilà, puisqu’un demi-bonheur n’arrive plus jamais seul à Paris, voici que certaines curiosités sonores se font jour dans l’orchestre. Cela car Daniel Harding, juge visiblement de « bon ton » de jouer de la distinction instrumentale ici et là. Vous demanderiez-vous en quoi cela pourrait être si problématique que cela qu’il me suffirait de vous souligner à nouveau que nous sommes :
1/ chez Wagner
2/ dans Tristan
3/ dans l’acte du fusionnel
4/ ni chez Mozart, ni chez Schubert.
Ensuite que vouloir absolument se distinguer par l’absurde en tant que chef en donnant lecture nécessairement nouvelle d’une œuvre n’a jamais été synonyme de com ou ap-préhension d’une œuvre.

Bruges meurt, Paris s'éveille...

Rêve contre Rêve

Cet été 2009, découvrant la programmation de la saison parisienne 2009-2010, m’enquérant des velléités des éventuels uns et autres, et sur l’affirmation de l’aimable Sieur Lindoro de sa curiosité pour la découverte de l’œuvre de Korngold, Die Tode Stadt, me prit de décider que ce serait là l’occasion d’une agréable soirée à compagnie mélomaniaque réunie à composante éclectique puisque mêlant, par ordre d’abord  de genre et ensuite d’âge, une demoiselle MimyLaSouris, une autre entre demoiselle et dame hôtesse de ces lieux, une dame Camille, un Sieur Palpatine, un autre Sieur Lindoro.

Ainsi, après rapide étude des possibles de chacun et chacune, nous voici donc attendus tout autant que nous étions et ne cessons d’être, ce samedi 24 octobre à l’opéra de Paris pour l’occasion d’un spectacle d’importation viennoise, sous la baguette de l’honorable Pinchas Steinberg. Et la direction scénique du non déplaisant Willy Decker dont j’avais goûté par biais de DVD La Traviata Salzbourg 2005 , bien avant le choc de la révélation Mussbach toujours en DVD et enfin celui de  l’articulation Grüber sur scène après quelque déconfiture essuyée par la banalité parisienne habituelle en matière de Verdi. Décidément que des allemands pour bien faire vivre la scène italienne! J  Mais laissons cette tout autre question pour d’autres contextes sentencieux.
Il s’agissait là pour ma part d’une découverte intégrale car jamais je ne fus attirée par Korngold que, curieusement (quoique j’y reviendrai), mon esprit avait tendance ou réflexe à affilier à quelque faconde d’opérette viennoise, genre musical qui tout aussi réussi soit-il en ce qu’il est, ne me parle ni me plaît qu’à doses très homéopathiques et très en lien aux talents des plantes dont il dépend pour se dire.

Moda di Cosa Nostra

Non Ecce Homo ou Rigoletto by Jonathan Miller in London

Grâce à un enchaînement tant inattendu qu'enchanteur de circonstances et volontés, j'ai découvert lors de mon week-end londonien, peu après Turner and the Masters à la Tate Gallery, un Rigoletto anglais, c'est-à-dire et de dispositif scénique et de langue, mais mafieux, celui-là même de Jonathan Miller reprise d'une saison de 1982, ce samedi 17 octobre 2009 et qui ne s'en pas révélé moins verdien pour autant.

Une production étonnante et percutante qui convainc dès le lever de rideau, outre la qualité de lecture de la partition de la part de Stephen Boyd à la direction de l'orchestre de l'English National Opera tirant légitimement l'œuvre vers le noir qu'elle exprime, et ne cesse de surprendre modo crescendo le spectateur en proie au mal-être / mal-dire du bossu, devenu Hunchback (non pas de Notre Dame), mais de bas-fonds new-yorkais, reprise à la demande du public londonien d'une production de Jonathan Miller de 1982.

Première idée détonante et fortement bien ficelée, alors que le rideau s'est levé sur l'intérieur de la maison du Duc de Mantoue, ici Duke, luxueuse et en pleine party des années 50, on aperçoit très rapidement que le "bouffon" est devenu barman.
C'est une transposition à la fois simple et efficace donc géniale, car si le bouffon est le lieu, le dépositaire de la parole royale qui ne peut pas se dire, ni même dire qu'elle veut dire, le barman est bien par excellence le lieu du recueil de la parole de tout à chacun. Bien plus, cela donne tout de suite la couleur au parti pris de cette mise en scène, une couleur noire qui convient fort bien, naturellement, au propos de l'œuvre et du compositeur. Ainsi Jonathan Miller a compris Rigoletto dans son principe fondamental : un lieu de (non-)parole qui plus est abâtardie, salie, grisée, enivrée dans la bouche et par le corps d'un bossu difforme et mieux encore boiteux, c'est-à-dire permettant le lien à la question œdipienne. Le monstre prend ici tout l'essor et toute la mesure de son sens. Que la parole soit déliée contre elle-même devient le stigmate de celui qui avance à pieds percés. Ainsi en un éclair, deux pas du barman, deux phrases à peine quatre mesures, nous avons déjà l'essentiel du sens du personnage qui ne va cesser de s'inscrire en échec quant à atteindre son humanité, son incarnation et avorter son accès à la paternité devenant l'objet et le sujet de ce qui est "mal dit"et ne peut appeler que le maux dit par le mot dit, la maledizione.

Turner and the Masters

Quand exposer l'art devient un art..

A Londres, au cœur de la Tate Gallery est donnée en ce moment même et ce jusqu'au 31 janvier 2010 une exposition à l'intelligence séduisante dont la thématique repose sur ce qu'annonce son intitulé Turner et les Maîtres, et le fond repose sur une approche renouvelée de la création et surtout de l'évolution artistique d'un même individu, avec pour présupposé implicite, l'aval de lettres de noblesse pour l'un des plus célèbres peintres anglais dont la notoriété a traversé l'histoire, William Turner. Une exposition orchestrée de main de maître, expression qui s'impose, et dont le parcours serait presque à dire interactif, à ne pas manquer si d'aventure l'on passait par là...

Son principe est simple et efficace : à chaque toile exposée, juxtaposées sont les toiles de différents maîtres à l’origine de l’inspiration du peintre.  A ceci près qu’il faut préciser que cette fameuse inspiration est aussi bien empreinte de rivalité, concurrence que d’admiration et émulation. Pour l’occasion, des toiles ont été prêtées soit depuis des collections privées soit depuis d’autres musées notamment européens tel que le Prado, le Louvre  ou encore L'Hermitage, etc………

Un dire dont on ne peut pas se dédire

Clamare! Ululare! In aegra urbae....

Ne probentur oracula... Stravinsky; Oedipus Rex

Jocasta est face au destin de Thèbes. Elle veut se persuader que "rien n'est une fatalité", que rien n'est joué, car la preuve en est que ce qui fut un jour dit, posé, proclamé, comme "tissé" du sort non seulement n'est pas devenu, mais bien plus encore, elle a là, sous ses yeux, et aux yeux et à la face de tous, du monde, que c'est autre chose qui s'est engagé pour rouage engageant destinal.
Ce pourquoi, il ne faut pas "crier" dans une "ville malade", mais se faire silence, se rassembler en soi-même outre tout oracle, car ceux-ci sont mensongers..

Ici, l'on démonte et démontre que le sort n'est pas ce qui devait se dire et donc se faire au carrefour de Delphes, qui en réalité et notons-le est tri-via-l, c'est-à-dire à trois voies, schéma dialectique, puisque n'est-ce-pas là, ô Roi et peuple, Oedipe qui résolut l'énigme de la Sphynge et un étranger "à la maison" comme on l'est chez Sophocle jusques à Hofmannsthal (ja, ja ein Fremder, aber freilich ist er vom Haus.. oui, oui, un étranger, mais bien-sûr il est de la maison; in Elektra) qui tua Laïos?.....

C'est alors qu'à l'énoncé -récité des faits par la femme, Oedipe prend peur, se retrouvant projeté au carrefour (trivium) de son destin, ce que l'on pourrait presque désigner la croisée tripartite de ses chemins (de vie) si l'on ne craignait point de trop adoucir l'image de ce delta fatidique.

Le monde m'oubliera, mais toi?

Ce que j'ai à te dire...

Ария Ленского : Куда, куда вы удалились, весны моей златые дни? Евгений Онегин, Чайковский
(Aria de Lenski : Où, où, où donc vous-êtes vous enfuies, belles années dorées de ma jeunesse ? Eugène Oneguine; Tchaikovski, Acte II)

Un merveilleux moment par Villazon au timbre toujours troublant de chaleur et virilité qui vient ici teinter nouvellement cet air superbe dont on ne se remet qu'avec difficulté dès lors que l'on a quelques raisons d'en saisir le sens.. Tout n'est pas parfait d'une perspective puriste, mais quel engagement, et surtout, quel trouble généré par ce timbre noblement mâle et incarné! C'est cela une interprétation et peu importent les critiques aisées dont on gratifie trop souvent le ténor.

Der Mensch ist ein Abgrund, es schwindelt Einem, wenn man hinunterschaut...*

*L'homme est un abîme, la tête tourne quand on regarde au-dedans.. 

Cette saison en doublon de reprise d’une Mireille insipide tant depuis l’œuvre que la production, est présenté par l’ONP, le Wozzeck de Berg dans la mise en scène de Marthaler, production déjà vue et entendue la saison dernière dans une distribution vocale et scénique hors pair, sous la baguette assez in-signifiante de Cambreling, qui de toute manière n’est que très modérément apprécié en ce lieu, pour dire les choses avec élégance.
Cette saison et en compagnie de Camille, sur laquelle nous reviendrons quant à ladite mise en scène, nous voici à la récidive – redécouverte musicale de l’opéra de la peur pour le dire avec Daniel Barenboïm dans un entretien au sujet d'Elektra, mettant en parallèle ce dernier comme "opéra de la cruauté" avec le premier, avec dans les rôles principaux Vincent Le Texier pour l’éponyme, Waltraud Meier pour Marie, Kurt Rydl en Doktor et surtout l’excellente baguette d’Hartmut Haenchen.

Nous apercevant de la reprise de ce spectacle, nous avions immédiatement réagi en soulignant la laideur "plastique" dans tous les sens du terme et visuelle de la mise en scène de Marthaler dont nous nous souvenions surtout de bleu et jaune criards, parant de bout en bout la mise en scène soit par meubles soit par objets, au point que nous ressortions de ce spectacle avec une impression d’univers "ikeaisien" et de "cafète" davantage que de Berg. C’est donc bien plus mue par la qualité de la nouvelle distribution, orchestrale et vocale, ainsi que par le plaisir d’entendre à nouveau Berg, que nous avions cédé au désir de retrouver cette production, et bien évidemment selon des tarifs modérés pour cause d’une part de mise en scène inintéressante et d’autre part de boycott déclaré à l’ONP pour les raisons diversement exposées au gré des billets attachés à la saison précédente. En outre et toujours à ce sujet, un écrit viendra bientôt affermir nettement la teneur de cette position suite à la lecture de déclarations du nouveau directeur de l’opéra parisien que la même Camille a eu l’excellente initiative de me faire suivre après avoir attiré mon attention sur quelques-uns des propos y étant égrenés.
Enfin et pour le pur plaisir de l'anecdote, il se trouve que par un concours de "circonstances" (J), étant arrivées en courant à la dernière minute avant la représentation, nous avons eu l’excellente surprise de nous trouver replacées au parterre sur instruction du personnel de l’opéra.
En effet, la salle était si vide, quand elle s'emplit à l'envi pour d’autres spectacles qui n’en sont parfois que de loin, que le public a été rassemblé à l’orchestre de manière, imaginons-nous, à "combler les trous".
Et voici de quelle façon pour des places non des plus onéreuses, nous avons bénéficié d’un placement optimal pour une œuvre profonde ! Parfois le manque d’acuité esthétique de certains sert d’autres, il faut bien le reconnaître.

H.B. Initials

Heyhaha Hildegard..

Tardivement mais certainement, car après tout, depuis quand devrions-nous ressentir besoin d'assujettir ce qui est art aux attendus du temps que socialement nous nous devons de faire dérouler et s'écouler, voici l'hommage du Geste et de la Voix à Hildegard Behrens qui se poursuit ici, de manière indépendante à la dernière reprise du thème d'Elektra.

Précisément et sans autre préambule de transition, repaissons-nous de cet autre Elettra mozartienne qui, pour ne pas être donnée avec ses piqués, n'en manque pas pour autant de piquant.. D'Oreste, d'Ajace : admirons l'art de la tragédienne et celaste, serpenti.. (soyons attentifs à la fonction et au symbole du serpent).

Les Trois H. ou de L'Hallucination, L'Hypnotique et L'Hystérie

La Déclamation Hallucinatoire ou le Monologue d'entrée d'Elektra, version référence absolue.

Regardez bien la jaquette de ce CD lors du déroulé de ce clip uniquement audio car c'est là un disque indispensable et qui ne le connait pas passe au minimum à côté de beaucoup de choses, mais surtout ne connaît pas son tragique straussien tel qu'il le devrait.
Inge Borkh est à jamais ou jusqu'à la survenue de la prochaine, l'interprète exceptionnelle, voire unique d'Elektra. Elle en avait non seulement les moyens vocaux ce qui n'est pas rien dire mais aussi physiques et tragiques; elle qui avait toujours rêvé d'être une grande actrice.. Écoutez donc afin de vous figurer si oui ou non elle aurait éventuellement pu prétendre en avoir les maigres moyens.. JJJ

"Je vous prie instamment de me donner la priorité pour toute œuvre de votre main susceptible d'être mise en musique. Votre manière s'accorde si bien avec la mienne, nous sommes nés l'un pour l'autre et nous accomplirons certainement de belles choses ensemble si vous me restez fidèle." (Strauss, Lettre à Hofmannsthal du 11 mars 1906.)

Ai! Liebe tötet, aber keiner fährt dahin und hat die Liebe nicht gekannt!*

*Ah! L'amour tue, pourtant personne ne meurt sans avoir connu l'amour!

Puisque le 18 août, ce blog était en vacances, il n'a pas souligné et marqué la déférence et l'hommage dûs à une interprète absolument fabuleuse qui nous quitta alors ce jour. Il s'agit bien évidemment de la légendaire et talentueuse Hildegard Behrens à qui nous devons, je dois, quelques interprétations wagnériennes mais surtout en cette occasion straussiennes habitées et essentielles.
Voguant sur les eaux de Youtube, j'y ai glané quelques extraits de la production 1994 d'Otto Schenk du Metropolitan sous la baguette, toujours bien inspirée, de Levine et propose donc en doublon d'interprétations initialement choisies les extraits les plus riches en apport de relecture du personnage par l'interprète. Ce pourquoi enfin, ce billet rejoindra la catégorie In Memoriam en y attendant celui consacré à la chanteuse allemande.

• Mesure et Démesure; une introduction

Qui donc a seul des raisons pour sortir de la réalité par un mensonge ? Celui qu’elle fait souffrir. Mais souffrir, dans ce cas là, signifie être soi-même une réalité manquée... (Nietzsche, L'Antéchrist, 15., Traduction : Henri Albert)

En ouverture, cette citation de Nietzsche car il nous semble que le rapport au mensonge désigné ici peut tout à fait et doit même être rapporté à la nécessité du carcan fantasmatique. Nous avons toujours pensé et posé, et sommes sans doute loin d'être seuls à le faire, que Freud est très en lien avec le fond de tonalité de la pensée nietzschéenne. Or, dans cet opéra tragique du fantasme, de la folie et du mensonge aussi (le volontaire), il s'agit bien de la question de l'incapacité à s'éprouver soi-même en tant que (principe de) réalité; en d'autres termes de l'incapacité à exister. Ceci posé, entrons aux abords de la cour du Palais pour ce premier volet de la visite guidée de l'opéra Elektra de Richard Strauss..

Du plus profond de la nuit Mycéniennes, des jeux des Dieux, monte une plainte, un cri nécessaires ne visant qu'à la réintroduction d'une mesure perdue.
Elektra, celle qui n'a point connu la couche nuptiale, consacrée à sa douleur, raillée par les inférieurs, c'est-à-dire ce qui ne peuvent prétendre au destin, fondue dans les décombres, parée de ténèbres, surgit et appelle.
Sa plainte est Simple. Elle est celle montée depuis la voix héroïque, fantasmée et fantasmatique, de la profonde solitude et la supériorité de celle qui sait et qui agit, celle qui favorise le sens, lui permet d'advenir. Un équilibre à trouver, à viser, a été rompu : il doit être renouvelé.
Elektra, "princesse des ténèbres", "cadavre caverneux", corps aride qui ne peut ni doit porter la vie tant qu'il est dévolu à la mort, est seule. Elle appelle, hantée par les images qui lui ont ravi toute mesure, ont ôté tout sens à être ce qu'elle devait devenir. La Princesse n'est plus, seule la fille d'Agamemnon, contre sa mère, est. Loi contre loi, hystérie contre hystérie, voici, perpétué, le cercle infernal des Atrides.

Récit Berlinois du Contre-Angélisme et des Amants de la Nuit

Contre-Amour et Avènement du Pape

29 Août 2009,

Aussitôt débarquée qu’à peine embarquée, me voici à Berlin pour ce dernier week-end d’un mois d’août assez exceptionnel pour se graver dans la mémoire comme excellent cette année, mais aussi un week-end évènementiel d’exception d’une perspective musicale. Car en effet, me voici en chemin pour le Staatsoper Unter den Linden donnant, ce soir dernier samedi du mois, un Tristan und Isolde servi par la baguette de Daniel Barenboïm, la mise en scène du très respectable Harry Kupfer et interprété par notre amie Waltraud Meier ainsi que de manière inespérée puisque Gambill était programmé, Ian Storey venu en relève du premier heldentenor malade et enfin avec ce qui s’avèrera être LE point fort ultime de la soirée, l’interprétation du Roi Marke par le sublime René Pape, en effet, souverain pontife du moment.
Après donc un après-midi délicieux, servi par un temps merveilleusement idéal pour une escale le temps d'un week-end, chargé en émotions, sentiments profonds, bonheur d’être là et de cette façon-là, se déclinant de découverte en redécouverte, prélude d’une soirée à l’avenant et d’un lendemain germain chantant, me voici donc sur la très belle place Unter den Linden apprêtée pour l’évènement que constitue cette représentation, évènement national intitulé Oper (oder Wagner) für Alle, sponsorisé par BMW dont j’ai ainsi découvert le Président et retransmis de manière nationale. Ce qu’il est bon de désigner, de fait, amener la culture à portée de tous.

Superbe, la place, pourtant pleine déjà, s’emplit de monde, de tenues très recherchées mais aussi pour ceux qui assisteront à la diffusion en plein air de tenues décontractées. Il en va d’allemands comme de touristes, eux aussi, heureux et sereins d’être là, dans cette ville et cet endroit où l’on se sent si bien accompagné.
Entrée dans le palais Unter den Linden, j’en découvre l’architecture fort agréable en matière de maison lyrique, qui n’est pas sans évoquer certaines maisons viennoises et la clarté simple des tons et des lumières doux choisis pour ensoleiller ce lieu d’opéra, anciennement et seulement pour quelques temps, situé côté RDA.
Je me précipite bien évidemment vers les pâtisseries et autres chocolats puisqu’ils y sont réputés et m’émerveille dans les couloirs des photographies encadrées des différentes dernières représentations, dont notamment la reprise de La Traviata de Mussbach (que je déplore de ne pouvoir voir car seulement en ce moment là-bas), permettant d’admirer et envier la proximité d’un tel endroit (dans tous les sens du terme en cette occurrence précise) de manifestation scénique et musicale.
Quelques photos de plus s’ajoutent à ma carte mémoire et me voici installée, attendant sagement ou presque le début de la soirée.

Elvira et moi...

Allégorie Aqueuse et Parabole Lyrique..

Ce bref tracé allégorique qui me vint, surgit, lors mêmes de mes vacances le 18 août 2009, sans doute en grande partie inspirée par l'air incroyablement iodé et bénéfique de l'océan ainsi que ses chaleurs, mouvements et autres humeurs, est dédié à quelques personnes ayant pour trait commun de ne jamais pouvoir vouloir intrinsèquement "rencontrer". Grand merci donc à leur lâcheté existentielle (ceci n'étant pas une boutade car il faut bien encore qu'elle soit utile à quelque chose au-delà du défaire), qui me permet un abord renouvelé quoique toujours à l'évidence sous-tendu par les mêmes lignes de force d'un personnage à la fois cher et au-delà de toute convenance "grand public", hypra-sensé.
Pour conclure cette dédicace je citerai l'inspirateur principal de cet éclair de conscience duquel j'ai, du reste, beaucoup appris, quitte à le fâcher (à nouveau) en dessinant ces quelques lignes portraitistes : "La véritable transgression c'est l'Amour." Ce à quoi je réponds avec une tonalité de compréhension merleau-pontienne: en effet..

Connaissez-vous Elvira ou plutôt que savez-vous d’elle, l’éternelle épouse, la véritable fiancée, la Cassandre perpétuelle de celui qui fuit? Aviez-vous cru qu'il s'agissait là d'une quelconque épouse de fait, délaissée et sans plus d'importance qu'une autre femme, qu'une autre conquête? N'aviez-vous pas été saisi par la nature exceptionnelle de son statut et son rapport au fuyant? Cette nature faite de constance et de braise, de dévouement et d'engagement face à autant de dénégations de ces dimensions? Non pas qu'elle se plaise à un jeu vulgaire de poursuite vaine d'un certain inatteignable époux fantôme, mais de fait, c'est bien depuis son inique amant qu'elle se trouve en mouvements perpétuellement tangents.
Tantôt dans un sens, tantôt dans un autre, elle semble entraînée, au gré de la houle et du roulis des passions et humeurs de celui qui l'amena sur ces eaux-là.
Elvira, malgré elle comme on l’est toujours, malgré soi, n’aime pas les eaux troubles. Pourtant elle est pour l’heure astreinte à y naviguer.

Mais elle, trouble, elle ne l’est pas, sans doute ce qui suscite d’elle le trouble à celui qui l'appréhende et la perçoit.
Tout océan qu’elle est, elle n’aime pas la mer avec laquelle elle n’a, en réalité et contre toute apparence, que peu ou presque pas d’affinités. Et c’est pourtant là, sur la mer, que l’on veut la mener, l’acheminer sous prétexte de prétendue symétrique aqueuse naturalité, elle dont l’océan qui lui parle et dit bien ce qu’elle est, ne peut se réduire à une mer qui boude, contre le premier, à se faire entière.
Si la mer se veut tantôt noire, trouble, saline, sableuse, elle ne se fait jamais véritablement claire, jamais vraiment, jamais elle-même.

Ce que je sais d'Elvira... I

Préparation et révision quant au texte à venir...

Entrée d'Elvira : Ah, chi mi dice mai (Ah, qui me dira jamais..)
Salut altier introduisant le personnage féminin majeur de l'opéra; celle qui cherche son époux renégat. Un époux qui n'est pas une simple vue de l'esprit, mais bien "barbare" vis-à-vis des sacrements qu'il a lui-même poussé à contracter, mû, évidemment, par d'autres visées..

Waiting for myself...

Or going to??

Cette saison achevée a vu passer de belles, étonnantes ou encore questionnantes perspectives.
Un petit florilège des moments les plus forts me sera simple à esquisser ci-dessous par ordre chronologiquement décroissant..

Traviata où là où l'on parle encore bien trop de soi

L'art de poser ou énoncer de simples vérité en suscitant la résurgeance de faux problèmes

La prise de position qui en découle

Absolu du philtre

Rencontre

 

A très bientôt, après quelques plages de repos, pour une nouvelle pré-saison...